LK: “Lo que hace especial las Bahamas es, en primer lugar… que la familia de mi madre procede de allÍ. Me eduqué allí en distintos momentos, cuando era niño, iba y venía. Es un lugar donde me siento de verdad muy cómodo. Vivo en una isla pequeña, en una ciudad pequeña, con poca gente, y me consideran alguien de allí, asÍ es. Es muy saludable contar con un lugar donde la gente no proyecta determinadas imágenes sobre ti, imágenes que parten del hecho de que eres famoso y todo eso. Así que he acabado construyendo un estudio de grabación increíble allí, que tiene todo lo que siempre he querido. Es… como estar en casa, sencillamente como estar en casa.
Por otro lado, París contrarresta todo eso. En las Bahamas vivo en un trailer en la playa, de forma muy sencilla. Todo consiste simplemente en hacer música, comer en el jardín, salir a comer a la playa. Cuando voy a París, es justo lo contrario; es la vida urbana, y vivo en una casa. Voy allí cuando quiero sentir un aire cosmopolita, cuando quiero ir a los museos y a las galerías de arte, comer buena comida y beber vino, ir a la opera y al ballet. Así que los dos lugares se complementan muy bien, porque son los dos extremos que me gustan.”

2 – ¿En qué se diferencia la inspiración que te proporciona las Bahamas y la que sientes en París?

La inspiración que surge en las Bahamas y en París en realidad depende de la energía. No es que escriba o que interprete mejor en un lugar que en otro. Lo que me da las Bahamas es el aislamiento, y un lugar donde resulta fácil encontrar música, donde escucho música todo el día, sueño con música. Estás en mitad de la naturaleza y, de alguna forma, no sé si son las olas o qué, pero ese lugar donde nace la música vibra aquí con mucha fuerza. Lo que me aporta París, lo que me interesaba de París, era que, después de haber estado en el campo durante tanto tiempo, grabando esta música, podía ir después a París, escucharla allí, mientras iba en coche por ahí, y escuchaba esta música que grabé en las Bahamas y de pronto esa música adquiría un sentido totalmente diferente para mí. Sonaba de forma totalmente distinta al estar en un lugar distinto. Y también el tono final de lo que había grabado era diferente en París, lo que fui añadiendo a mi música en París era distinto, era un tipo de sonido más eléctrico, más urbano. Acabé hacienda muchas mezclas de sintetizador y cosas así en París.”

3 – ¿Qué puedes contarnos sobre tu estudio de grabación en las Bahamas?

LK: “Mi estudio de grabación en las Bahamas se terminó justo antes de empezar este álbum, así que hace unos dos años ahora. Para mí es el estudio de mis sueños, lo diseñé exactamente como quería, en realidad se parece mucho a un estudio californiano, digamos, de los años setenta, en cuanto a los materiales y el equipo. Hay mucha madera, corcho y piedra. Hay una gran selección de equipos antiguos: los micrófonos, la consola, los preamplificadores de micrófonos, los ecualizadores, los platos de reverb, una gran colección de guitarras, amplificadores y sintetizadores, teclados y batería. Y el sitio tiene un sonido realmente hermoso, así que grabar allí es algo muy fácil.”

4 -¿Puedes contarnos qué significa el título “Black And white America” y de qué trata la canción?

LK: “Black and White America es algo que, para mí, refleja perfectamente mi vida; quién soy, cómo crecí, lo que vi, la situación de mis padres, que eran una pareja interracial a principios de los sesenta. Y también tiene que ver con quienes somos ahora. La canción está inspirada en un documental que vi, en el que aparecen un grupo de americanos anclados en sus viejas creencias, en lo que aprendieron. No estaban de acuerdo en el rumbo que había tomado América. Obviamente no estaban de acuerdo en tener un presidente Afroamericano y estaban llenos de odio. Llegaban incluso a decir que iban a intentar que ese presidente no viviera mucho tiempo, que iban a tratar de que alguien se ocupara de él y que incluso había planes para ello… y ese tipo de cosas… Lo que de alguna manera fue un shock para mí, que soy una persona que no piensa en términos de raza, es que haya gente que todavía piense así. Y evidentemente yo conozco gente que piensa así, pero escucharlo de esa manera, en la televisión, en ese documental, de alguna forma me bloqueó durante un momento y me hizo pensar. El estribillo de ‘Black and White America’ es una respuesta a ese documental, y las estrofas hablan, una de Martin Luther King y de su misión y su razón de ser y otra de mis padres y de todo por lo que pasaron”.

5 – Se trata de tu noveno disco de estudio. ¿Crees que es tu mejor trabajo?

LK: “Defiendo todo lo que he hecho y me gusta todo lo que he hecho, si no, no lo hubiera publicado, pero hay algo en este disco que de verdad me conmueve, y siento que representa dónde he estado, dónde estoy ahora y hacia dónde voy. Hay algo en él que de alguna forma completa un círculo. Estoy muy contento, realmente muy contento con él. Estoy de verdad muy satisfecho creativamente. Me tomé el tiempo para hacer lo que había que hacer, grabé toda la música que hacía falta para poder completar todo el espectro, es decir, que sentí que realmente necesitaba más canciones para terminar todo el cuadro. Porque estilísticamente mi disco abarca muchas cosas, todos mis discos son así. Yo quería tocar todos los estilos y todos los sonidos posibles. Así que hay dieciséis temas en el álbum, aunque es un solo CD, yo lo veo como un doble álbum, porque yo sigo pensando en el términos de vinilo, es algo que nunca he dejado atrás. Para mí es como si fueran dos vinilos, con cuatro canciones por cara, y lo vamos a sacar así también. Es un disco doble, es lo que necesitaba.

6 – ¿Cuál fue tu mayor influencia durante el proceso de composición y grabación?

LK: “Lo que influyó en mi durante la composición de este álbum fue precisamente no pensar en él, no preocuparme por él, no ir donde mi mente me obligaba a ir necesariamente, sino a ese lugar donde puedes ir y decir: bueno, voy a hacer este tipo de álbum, esto es lo que veo por mi mismo, y este espíritu creativo es lo que puede llevarte en una dirección completamente diferente. Así que para mí se trataba de estar relajado, disfrutando cada día, disfrutando la belleza del lugar en el que estaba, disfrutando de la gente y dejando que la música simplemente surgiese. Así es.”

7 –¿Cuales son tus influencias musicales?

LK: “La música me inspira todos los días, todo tipo de música, da igual. Acabo de venir de una sesión de fotos y hemos estado escuchando música de los cuarenta. Me encanta la música, ahora realmente hay un montón de cosas buenas que están saliendo, creo que el rumbo que están siguiendo muchos grupos y muchos artistas es realmente interesante y representan una reacción a la forma en que se han hecho las cosas en los últimos, digamos, diez años. Y me gusta mucho, la música está adquiriendo mucho carácter y mucha personalidad, porque las cosas se habían vuelto demasiado uniformes. Es difícil hablar de qué y quién porque la verdad es que escucho todo tipo de cosas, desde opera hasta, bueno… Little Dragon, o sea, todo.”

8 – ¿Cómo van apareciendo las canciones durante la creación del album?

LK: “ Las canciones simplemente surgían. No sé, la verdad, de dónde vienen, puede parecer un poco raro, pero cuando termino una canción no puedo pensar en ella, y unos días después no soy capaz de darme cuenta de cómo ocurrió. Me desperté, tenía una canción en la cabeza, y me fui a la grabadora, creé una base, fui al estudio y empecé a montarla, haciendo nuevas grabaciones; y luego el tema siguió una dirección, luego otra, luego hice esto otro, hice los arreglos, añadí instrumentos de viento, cuerdas y sintetizadoresy percusión… y después ha seguido creciendo y creciendo, y es cuando llegaron los coros. Y de pronto aparece algo que existe realmente. Y mientras estoy dentro del proceso, porque lo hago casi todo yo mismo, si no todo, estoy demasiado ocupado para pensar. Salto de un instrumento a otro simplemente tratando de que el flujo continúe. Así que, cuando todo está terminado, me pregunto: ¿de dónde ha salido esto? Ya sabes, mientras lo hago estoy en una especie de frenesí.”

9 – ¿Qué es lo que convierte una canción en una canción de Lenny Kravitz?

LK: “¿Qué qué es lo que convierte una canción en una canción de Lenny Kravitz? Yo. Eso es. Ya sabes. Mi sensibilidad, que está por todas partes. Creo que todo empieza por la voz, por las voces. Y como yo toco todos los instrumentos en un tema, o la mayoría, pues mi personalidad está ahí al completo, así que en realidad se trata de ser yo mismo. Y cuando antes me preguntabas sobre el equipo, y hablábamos de equipos antiguos, la razón por la que uso mucho este tipo de equipo no es solo porque sea antiguo y que sea genial y romántico utilizarlo. Es por su amplitud y su organicidad. Y porque creo que es muy importante escuchar cómo se transmite la personalidad de los músicos a través de los instrumentos. Porque el día que escuchas un disco, que es un disco de estudio, y no de un grupo sino de un artista en solitario, puedes escuchar ese disco y escuchar los instrumentos, y decir: ah, ese bajo lo toca tal y tal, porque puedes oírlo. Puedes escuchar su estilo, sus dedos tocando, puedes oír el tono de su amplificador. ‘Oh, así suena la batería. ¿Quién está tocando la guitarra? Debe de ser no sé quién.’ Ahí está la identidad de los músicos, y lo mismo pasa con los grupos, sabes? Cuando estás escuchando a un grupo te das cuenta de si es John Entwistle el que toca el bajo, sabes que ése es su sonido, sabes que Pete Townshend está tocando la guitarra, que Keith Moon es el batería, etcétera. Ahora, y en los últimos años, durante muchos años, evidentemente, el sonido se ha vuelto más homogéneo. Por ejemplo, en muchos discos el batería toca su parte y después de que se graba su parte, el músico añade samples de batería sobre ese sonido. Y hay mucha gente que hace esto y muchos usan los mismos samples y al final ya están muy trillados, o son muy parecidos. Así que, ¿dónde se queda la personalidad, quién está tocando esa batería? No está muy claro, podría ser cualquiera. Y eso es solo un ejemplo… pero, bueno, me he ido por las ramas. Me preguntabas qué hace que mi música sea mi música. Y soy simplemente yo, que estoy poniendo toda mi personalidad, y haciendo que el proceso de grabación amplíe mis cualidades con todos los instrumentos, tratando de mantener toda la pureza posible.”

10 – ¿Tienes una canción favorita en el nuevo álbum?

LK: “¿Si tengo una canción favorita? En realidad no. Tiendo a mirar el disco como si fuera una sola pieza. Es difícil decir si me gusta más una cosa que otra.”

11 – Háblanos del nuevo single ‘Stand’ y del videoclip.

LK: “El nuevo single ‘Stand’ es muy bueno, es muy especial. Coloqué un tono muy pop, casi exageradamente pop, sobre una base funk. Y definitivamente había una influencia muy fuerte de the Partridge Family, como puedes comprobar, pues es una de mis grandes influencias. La canción tiene un acorde de arpa en el centro y es obvio que en muchos de esos viejos temas de The Partridge Family que escuchábamos cuando veíamos la televisión de niños, había un acorde de arpa en las sintonías, y eso me gusta. Y lo que es interesante sobre la canción es que tiene un ritmo funky muy entusiasta, lleno de aire y de diversión. Pero, personalmente, para mí, la canción tiene un mensaje muy serio, porque si escuchas la letra, la letra habla de perseverar en la vida e ir hacia adelante, y cuando te golpean tienes que levantarte y seguir moviéndote y tienes que tener una actitud positiva y así. Pero el origen de la canción, bueno, trata de un amigo que se quedó paralizado de cintura para abajo. Y yo no estaba en el mismo país donde vive esta persona, un amigo muy cercano, como un hermano, y quería hacer algo que le transmitiera al menos una buena energía, porque era lo único que podía hacer. Puedes rezar, y puedes tratar de transmitir a alguien vibraciones positivas. Así que le escribí esta canción, y así fue, es lo que podía dar en ese momento. Y hoy, gracias a Dios, esta persona ya puede andar, puede volver a caminar sobre sus piernas, y de eso trata toda la canción.
El video es muy divertido, una comedia total. Creo que la gente no se va a dar cuenta, pero en realidad yo interpreto tres personajes en el vídeo. Todo el vídeo está basado en un programa concurso, como aquel que se llamaba ‘Let’s Make A Deal’ o algo así, un programa que mi abuela veía cuando yo era pequeño. Este tema habla de gente que pierde cosas y de cómo se enfrenta a ello, pero de una forma completamente cómica. Y la verdad es que fue muy divertido interpretar a los distintos personajes.”

12 – ¿Puedes hablarnos del mensaje y de la letra de ‘The Faith of A Child’.

LK: “ ‘Faith Of a Child’ trata de cómo algunas veces, y más que algunas veces, necesitamos recuperar nuestros valores infantiles, como la magia, la fe, el amor Cuando somos adultos nos cargamos de cosas, vamos con mucho equipaje, atravesamos experiencias que pueden dañar nuestros, cómo diría, nuestros deseos innatos, que consisten sencillamente en amar y ser amados, tener fe y creer en las cosas. Y esta canción habla sencillamente de cómo tener la fe de un niño. Podemos hacer muchas cosas, podemos amar, podemos estar en paz, podemos tener muchas cosas en nuestra vida, pero solo podremos alcanzarlas si tenemos la fe de un niño.”

13 – ¿Es importante para ti que tus canciones sean positivas por encima de todo?

LK: “¿Si es importante que mis canciones sean positivas… ? No es algo que yo necesite o que tenga que ser así, pero, sencillamente lo son, es lo que me han transmitido y me siento bien transmitiendo ese mensaje. Me siento bien siendo positivo y optimista, es algo natural en mí.”

14 – ¿Puedes hablarnos de tu colaboración con Craig Ross?

LK: “Trabajar con Craig Ross es algo hermoso. Ha estado tocando conmigo desde la gira de ‘Mama Said’. Es el único aparte de mí que ha estado en todos los álbumes, aparte de los instrumentistas de viento. Lo grande de nuestra relación de trabajo es que no tengo que explicarle nada. Simplemente le digo… vaya, acabo de decir que no tengo que decirle nada y justo ahora digo lo que le tengo que decir… Bueno, me basta con decirle algo muy breve, como: vamos a hacer esto. O basta con ponerme a tocar y él sabe inmediatamente dónde ir y como tocar, y no nos pisamos el uno al otro. Actúa siempre como contrapunto a lo que yo toco y también domina muchos estilos, así que podemos movernos de un lado a otro y abarcar un territorio muy amplio, pero es alguien que todavía no ha sido suficientemente valorado. Este tipo es uno de los mejores guitarristas que existen y creo que merece más crédito.”

15 – ¿Puedes hablarnos de tu colaboración con Jay-Z?

LK: “Tenía ganas de colaborar con Jay-Z de nuevo porque la propia canción me lo pedía. Quiero decir que no pienso en hacer determinadas cosas solo porque ‘oh, va a ser un gran acontecimiento, o porque ‘sería genial hacerlo’. Se trata de lo que necesite la canción, y por eso después de grabar ‘Boongie Drop’, escuché su voz en el centro de la canción. Me di cuenta de que lo que quería no era un solo de guitarra o cualquier otra cosa, sino que quería tener la voz de Jay, creo que tenía el carácter que estaba buscando. Así que le llamé, y es un tipo genial, me dijo que sí y le pusimos en el tema. Así de sencillo.”

16 – Ahora que llevas 20 años trabajando en esto, ¿todavía te sorprendes a ti mismo?

LK: “Yo no hablaría de sorpresa, pero sí que si hago algo que realmente siento, es una agradable sorpresa y lo valoro mucho. Es como: vaya, eso me encanta, me gusta el tono de eso, es algo inesperado. Pero no me quedo sorprendido diciendo: ¿cómo pude escribir esto?”, porque el tema simplemente aparece. Soy responsable de ello, pero, insisto, al mismo tiempo no lo soy.”

17 – ¿Sientes que todavía estás creciendo musical y espiritualmente?

LK: “Oh, absolutamente. Siento que es como si estuviera empezando, no siento que haya hecho nada todavía. Si dejas de crecer estás muerto, creo yo. Tengo mucho que aprender, mucho que hacer en lo espiritual, llegar a algo más profundo. Pero ahí está la belleza de la vida, en seguir adelante.”

18 – Con tantos artistas yendo y viniendo, ¿cuál es el secreto para mantenerse?

LK: “Yo diría que el secreto para mantenerse es solamente ser fiel a uno mismo. Y, como decíamos antes, no hacer algo solamente por hacerlo. Yo estoy tratando de ser auténtico y de ser yo, y eso funciona. Y creo que la gente es capaz de ver la diferencia con algo falso o con algo que se hace solo por hacer negocio o para lanzar un tema de éxito. Cuando tienes una carrera larga, tienes tus momentos fuertes y débiles, pero tienes que seguir trabajando. Y lo bonito es que puedo dormir tranquilo porque sé que todo lo que he hecho es algo que quería hacer creativamente.”

19 – ¿Cuál es el momento de tu carrera del que te sientes más orgulloso?

LK: “Desde un punto de vista personal, no tiene nada que ver con el premio en sí, pero cuando gané el premio MTV al mejor vídeo del año o como se llame, porque mi madre seguía viva y estaba allí. Y lograr estar con ella allí y ver su reacción y su alegría, antes de morir, fue un momento realmente bello para mí.”

20 – ¿Cuáles son tus planes para el resto del año?

LK: “Mis planes para el resto del año son gira, gira y gira. Voy a tener mucho que hacer con la gira, algo que tengo muchas ganas de hacer porque tengo mucha nueva música que tocar. Estoy haciendo una película titulada ‘Hunger Games’, estoy trabajando mucho en diseño con mi compañía Kravitz Design, estamos con una gran torre en Miami, en la que estamos hacienda todos los interiores de un edificio de cuarenta y siete pisos. La suite presidencial del Hotel Ritz de Miami, lo está haciendo Phillippe Starck y me han encargado hacer la suite presidencial y muchos muebles. Y también estoy haciendo fotografía, algo en lo que estoy muy implicado, intentando preparar una exposición para presentarla en 2012 en París, Los Ángeles y New York.”

21 – ¿Qué cabe esperar de la gira europea de Black and White?

LK: “Va a ser muy funky. Tengo una banda increíblemente buena. Creo que la banda más potente que he tenido nunca, y estoy creando una buena atmósfera para tocar, con un buen escenario y materiales interactivos. Va a ser potente, va a estar muy bien, y vais a escuchar una gran creación musical.”

22 – ¿Qué importancia tiene para ti el público cuando actúas?

LK: “¿Qué importancia tiene el público? El público lo es todo, es decir, es la razón por la que estoy ahí. Estoy ahí para estar con ellos, para intercambiar mi energía con ellos, de eso se trata en realidad. Si no, me quedaría en casa.”

23 – ¿Todavía te pones nervioso sobre el escenario?

LK: “No. A veces estoy preocupado, pero nervioso no. Tienes que ir a por ello, no tienes que tomártelo tan en serio.”

24 – ¿Cómo entraste en el mundo de la actuación? ¿Era algo que siempre habías querido hacer?

LK: “Empecé a actuar cuando era muy joven, me dedicaba a ello, es lo que quería hacer. Hice teatro en Nueva York, publicidad y programas de televisión, pero lo dejé para ser músico. Quería dedicarme completamente a la música. Y Lee Daniels contactó conmigo antes de hacer Precious, bueno, nos conocimos y dijo que quería trabajar conmigo desde que supo mi formación teatral, me dijo que conocía el trabajo en teatro de mi madre y que le impresionaba mucho. Pero es estupendo contar con esa formación, es estupendo tener otro medio en el que moverse, en que poder expresarse, y voy a empezar a trabajar más con ello.”

25 – ¿Cuál es tu forma de trabajar como actor?

LK: “Lo interesante de la interpretación, dejando de lado el tema del éxito, es que es algo completamente opuesto a lo que hago, en el sentido de que, cuando estoy en un estudio haciendo música, estoy yo solo, es mi visión, es mi canción, son mis arreglos y yo los toco. Ya sabes, es algo en lo que haces lo que tú quieres. Pero cuando estoy actuando, estoy en el mundo del director, y estoy ahí para representar su visión. Y me gusta ese límite del ¿qué quieres que haga? Y creo que contrarresta muy bien lo que supone la música. Así que estoy al servicio del proceso creativo, en lugar de llevar yo el proceso.”

26 – ¿Cómo fue la experiencia de participar en una película de tanto éxito como Precious?

LK: “Una película de éxito, estupenda. Esa película, en especial, tenía una historia tan apasionante… Pero se hizo de forma muy underground, dejando que las cosas sucedieran. Lee Daniels hacía todo lo necesario para levantar la película. Y había grandes interpretaciones en esa película. Fue muy interesante ver la reacción del público, no solo en América sino también en Europa. Fuimos al festival de Cannes y cuando estábamos en Cannes, cuando el film acabó, en la proyección, hubo literalmente una ovación de quince minutos con la gente de pie. La gente lloraba, estaban muy emocionados. Fue algo desbordante para mí, sí..”

27 – ¿Cuál es tu siguiente proyecto cinematográfico?

LK: “Me llamó Gary Ross, el director de ‘Hunger Games’; yo estaba en el estudio de las Bahamas trabajando en el álbum y me dijo que había visto ‘Precious’ y que le había gustado mi forma de interpretar el papel, que no se le había dado la suficiente importancia a mi papel. El personaje tenía aspectos similares al de Cinna, que es el que yo interpreto, y en resumen, me ofreció el papel. Me dijo, si quieres hacerlo, te lo ofrezco, así que dime algo. Y lo pensé, y se lo dije, le dije que sí.”

28 – Háblanos de tus proyectos actuales con Kravitz Design.

LK: “En este momento Kravitz Design está hacienda los interiores de un enorme edificio en Miami, en la bahía, un sitio llamado Paramount Bay, que es un gran proyecto. Estamos haciendo los interiores y diferentes cosas para la gente que compra los apartamentos, el lobby, el restaurante, el spa, etcétera, todos los espacios comunes. Estoy haciendo la suite presidencial para Sam Nazarian, de SLS y Philippe Starck, y es un gran honor estar trabajando junto a Phillippe Starck, que es el diseñador, así que me siento muy poca cosa a su lado. También estoy trabajando en una línea de muebles, diseñando productos para otras compañías, como lo que he hecho antes con Swarovski diseñando candelabros, etcétera. Y realmente me encanta el diseño, es muy satisfactorio para mí. Es como la música, me gusta tanto como la música.”

29 – ¿Ser padre es el trabajo más duro de todos?

LK: “No, ser padre es lo más placentero, no puedo decir que sea un trabajo. Es la experiencia más agradable. Tengo una hija estupenda, sencillamente es increíble, no puedo describirlo. Es mi mejor amiga, estamos extremadamente unidos, hablamos varias veces al día, siempre estamos juntos. Y aprendo mucho de ella, y es un camino en ambas direcciones, ya sabes. El hecho de que mi hija trabaje en la industria del entretenimiento no cambia mi visión de la industria; la industria es lo que es, no puedo controlarlo. Lo que controlo es lo que yo produzco, y ella controla lo que ella hace tomando sus propias decisiones. Ya sabes, ella se educó con todo esto, así que lo ha tenido a mano desde que era una niña. Ha tenido una formación y se maneja tremendamente bien. Estoy muy orgulloso de cómo se mueve, es una rebelde, hace lo que quiere, como todos nosotros, pero ella tiene mucha clase.”

30 – ¿Cuál es el mejor consejo que te han dado?

LK: “El mejor consejo que he recibido es que sea yo mismo, que es lo que mi familia me enseñó. Sencillamente, sé tú mismo. Sé fiel a ti mismo.”

31 – ¿Tienes algún mensaje para tus fans?

LK: “Respeto y aprecio a la gente que me apoya, porque sin ellos, evidentemente, yo no estaría ahí. Y me encanta que sigan a mi lado y que sigan mi camino, les lleve donde les lleve, ¿sabes? Como artista solo puedes admirar algo así, que la gente emprenda el viaje contigo, por aquí y por allá, que siga contigo, que comparta la experiencia, y es muy importante contar con eso. Han sido enormemente fieles a mí, así que voy a darles lo mejor que tengo.”

32 – ¿Cómo se grabó el disco?

LK: “El disco se grabó bastante rápido, había un buen estudio de grabación, los micrófonos, una mesa Helios de los setenta, que perteneció a Leon Russell. Muy buen material, también utilicé mis grabadoras de cinta, mi 3M y mi Studer. Y era sonido puro, tan directo como podía ser, sabes? No me gusta que haya muchos elementos entre el instrumento y la cinta. En este caso utilicé las dos cosas, porque se grabó en cinta analógica y luego se transfirió a Pro Tools rápidamente con una unidad llamada Clasp, así que el resultado final es que lo tienes en Pro Tools, así que puedes montarlo y lo tienes todo ahí. Pero todo está hecho al viejo estilo.”

33 – ¿Es muy diferente el material que utilizas en la grabación en estudio del que utilizas en el directo?

LK: “Oh, claro, el material del estudio y el del directo no tienen nada que ver uno con otro. Hablo de amplificadores, guitarras, batería, bajos, teclados, sí, todo eso es el material orgánico, pero los altavoces y las mesas, los teclados, todo eso en directo es un asunto completamente diferente, porque el material que se utiliza en el estudio no aguantaría la carretera.”

34 – ¿Qué guitarras has utilizado para grabar este disco?

LK: “Las guitarras que he usado en este álbum son las que he usado en prácticamente todos. Tengo muchas guitarras, pero son cuatro las que aparecen en el álbum, siempre. Una Les Paul Standard que tengo de finales de los cincuenta, que es la guitarra que mejor suena en el mundo. No dejo que esa guitarra salga del estudio. Tres pick up Les Paul, mi Fender Precision, bajos de jazz, dos bajos, y tengo también una Tele y una Strat, y eso es todo, tío. Y un puñado de amplificadores, pero en realidad se trata de esas pocas guitarras.”

35 – ¿Utilizas pedales o el sonido viene principalmente de los amplificadores?

LK: “Sí, el sonido viene sobre todo de los amplificadores, no uso muchos pedales en realidad en el studio. Si hay un solo y quizá quiero algo más fuerte, o un poco más de barullo, entonces sí, pero la mayor parte es puro amplificador. Y me gusta añadir distorsión a la distorsión natural del amplificador, manipulando el pre-amplificador del micro, solo un poco, porque los preamplificadores Helios que hay en mi mesa suenan muy bien y funcionan muy fácilmente, es como si la mesa se rompiera, una mesa que suena muy rock n roll. Así que basta con llevarlo un poquito más lejos y consigues un plus de distorsión, y eso es completamente diferente de cualquier otra cosa que venga de un amplificador o un pedal.”

36 – ¿Sigues usando la reverb de Fender y los dos modelos gemelos de reverb?

LK: “Oh, sí, el doble amplificador de reverb de Fender es uno de mis amplificadores favoritos, y el Tweed Deluxe es, ya sabes, mi sonido distorsionado característico. Todo mi primer disco estaba basado en ese amplificador.”

37 – ¿Es verdad que tienes algunos de los equipos de grabación originales de EMI que estaban en los estudios de Abbey Road?

LK: “Sí, tengo la consola roja que usaron los Beatles y es una gran pieza de mi equipo. La compré hace veinte años y viene conmigo a todas partes. Y lo primero es que es una pieza muy bonita, cuando ves fotos de los Beatles sentados al lado de ella, siempre me quedo alucinado, pero como equipo es magnífica, sus preamplificadores y sus ecualizadores son grandes, altos y bajos a la vez, algo que me encanta.”

38 – Tu primera guitarra era una Fender Jazz Master, ¿cuál es la última guitarra que has comprado y por qué?

LK: “La última guitarra… Llevo siglos sin comprar una guitarra. Tengo mucha suerte de tener un acuerdo con Gibson, que me hacen hermosas guitarras. Así que no sé realmente cuál es la última guitarra que compré. Estoy comprándome un bajo ahora mismo, pero ha pasado algún tiempo desde que me compré una guitarra. Compré tantas durante tantos años que, ¿sabes?, ya estaba bien. Ni siquiera puedo verlas nunca, están almacenadas, es ridículo. Sí, todo lo que han fabricado para mí ha sido increíble. El año pasado conseguí una Les Paul muy bonita, que tiene eso que se llama un acabado ‘Iced Tea’, como un Sunburst, pero es realmente suave. Esa es mi favorita.”

39 – ¿Cuántas guitarras tienes y cuáles están en tu Top 5?

LK: “ Tengo trescientas guitarras. Mis favoritas… tengo una colección de guitarras Strat con el color customizado, que me gustan, me gustan mucho. Mi Les Paul Goldtop, que es la que te decía que uso en el estudio. Tengo una L5 muy bonita que me gusta mucho, vintage, ya sabes, una guitarra antigua auténtica, no una imitación. Y una vieja SG muy bonita, que me encanta, esas son algunas de mis favoritas.”

40 – ¿En qué se diferencia tu modelo Gibson Vee característico del modelo estandar de Vee?

LK: “Bueno, la versión que utilizo, bueno, se diferencia en los acabados. Tiene un acabado de pintura negro, como con capas de metal, tiene partes doradas, tiene un protector de espejo dorado. Así que está vestida, customizada.”

http://www.amazon.com/Por-mi-ni%C3%B1a-Mari-Luz/dp/B006VFVX18/ref=sr_shvl_album_2?ie=UTF8&qid=1326378233&sr=301-2

http://itunes.apple.com/es/album/por-mi-nina-mari-luz-single/id492643555

Fran Navarro quiere incluir en cada uno de sus trabajos, una canción solidaria o con algún fin social ya que en el primero de dedicó una canción a los familiares de la “Fundación síndrome 5p-“.

FIN DE GIRA 10 AÑOS CONQUISTANDO CAPITALES
SÁBADO 28 ENERO 2012 / SALA STEREO (MURCIA)
22:30 H. – ENTRADA ANTICIPADA: 12 EUROS + gastos de distribución / TAQUILLA: 15 EUROS
Venta anticipada en Discos Tráfico, Discos Comix, Abadía Gothic Shop y red Ticketmaster
Fnac, Carrefour, Halcón Viajes, establecimientos autorizados y www.ticketmaster.es

PROGRAMACION ENERO-MAYO 2012
Dani Martin, Pablo Alborán, Manolo García, Raphael y Maldita Nerea en Murcia

La Oreja de Van Gogh, Sidonie, Dani Martín, Manolo García, Joe Bonamassa, Pablo Alborán, The Flying Pickets, Catpeople, Malú, Loreena McKenitt, Raphael, Leyva y Maldita Nerea son los protagonistas de la programación del ciclo Otras músicas del Auditorio Regional Víctor Villegas entre enero y mayo de 2012. Las entradas ya se pueden adquirir en las taquillas del Auditorio Regional, en el teléfono 968 343 080 o través de la web auditoriomuria.org 

Comenzará la programación con el grupo vasco La oreja de Van Gogh el viernes 20 de enero, que vienen a Murcia a presentar su último trabajo Cometas en el cielo, que ya es disco de oro en España. Disco que fue número 1 en listas de ventas desde su primera semana a la venta y que continúa manteniéndose en los primeros puestos. Además se encuentra también muy fuerte en las listas top 10 de las radios en América Latina.  La Oreja de Van Gogh ha publicado seis álbumes de estudio con canciones que están inscritas en la historia del pop cantado en español y grabadas en la memoria del público de España y Latinoamérica. Entradas 20 y 25 Euros.

Un día después, 21 de enero, será el turno de Sidonie que llega también con nuevo disco, El Fluido García. La psicodelia es el mejor género que define este nuevo trabajo, que fue publicado el pasado 18 de octubre. El Fluido García es el sexto álbum de estudio del grupo. Lejos quedan aquellos años, por los noventa, en los que presentaban sus primeras maquetas. Desde entonces Sidonie ha ido creciendo, trabajando y evolucionando hasta ser considerado una de los grupos más personales, inquietos e influyentes del pop español. El nuevo disco es una evolución de su trabajo, que ha roto radicalmente con sus anteriores discos.  Localidades, 15 Euros.

El 4 de febrero será el turno de Dani Martín. Tras más de una década cosechando éxitos, los líderes de El Canto del Loco decidieron probar suerte en solitario mientras el grupo se toma un periodo de descanso. Hace unos meses fue Dani Martín, su vocalista, quien presenta Pequeño, su primer disco en solitario, que ha sido número en la lista de ventas en nuestro país. Las entradas cuestan 15, 18 y 25 Euros.

Dos días, 18 y 19 de febrero, estará actuando en el Auditorio de Murcia, Manolo García. El cantante viene a presentar su nuevo álbum Los días intactos, que se mantiene desde hace semanas entre los discos más vendidos en España y es Disco de Platino desde el mismo día de su lanzamiento el pasado 25 de octubre. Es el reflejo de la magnífica acogida que está teniendo su quinto disco de estudio, que incluye 14 nuevas canciones, de las que se ha elegido Un giro teatral como primer single. Las entradas que se pusieron a la venta hace unas semanas cuestan entre 35 y 38 Euros.

Loreena Mckenit.

Uno de los guitarristas internacionales más influyentes en el mundo de la música, también pasará por Murcia. Joe Bonamassa estará en el ciclo Otras músicas el 24 de febrero. Su habilidad para conectar con público es transformacional, y su nuevo disco, Dust Bowl, trae la energía de su música con mucho más gancho que antes. Dust Bowl es el noveno disco de Bonamassa en estudio, donde combina la base blues de sus primeros discos con su particular sonido personal y algunos toques de country. Entradas a 25, 30 y 35 Euros.

El 1 de febrero de 2011, Pablo Alborán publicó su primer álbum en España. Menos de ocho meses después, era nominado a tres premios Grammy Latinos, había permanecido 15 semanas en el nº1 de la lista de los más vendidos, tenía un Disco de Platino y más de 280.000 amigos registrados en Facebook, más de 16 millones de personas habían visto sus vídeos en YouTube y había realizado una gira de más de 60 conciertos, prácticamente todos con el cartel de “No hay entradas” colgado en las taquillas. Sin duda, Pablo Alborán es el artista español del año y de los que aparecen con cuentagotas en décadas. Solo algunos, muy pocos, elegidos pueden llegar a esa conexión con su público en tan poco tiempo. Hay que tener magnetismo, carisma y buenas canciones para conseguirlo. Estará en Murcia el domingo 18 de marzo. Entradas, 15, 20 y 25 Euros.

The Flying Pickets es el grupo a capella más importante del mundo. El grupo se formó en 1982, en una época en la que nadie más en Reino Unido se dedicaba al pop/rock a cappella, y enseguida tuvieron un gran éxito. Su primera grabación fue un espectáculo en directo que pronto llamó la atención de Virgin Records, con quien firmaron en 1983. Su primer single con Virgin, “Only You”, versión de una canción de Yazoo, fue directo al número uno de las listas en Reino Unido, convirtiéndose en un éxito en casi todos los países de Europa. Desde ese momento su carrera no ha sufrido ningún bajo, publicando discos y haciendo giras por todo el mundo. El 22 de marzo pasarán por el ciclo Otras músicas. Las localidades a 24 Euros.

Y como si un partido de futbol Murcia-Vigo se tratase, el 24 de marzo en Murcia viviremos el Second vs. Cat People. Un partido musical en el que veremos a dos de las bandas de pop del momento: los murcianos Second, y los vigueses Cat People. Unos días después jugarán el partido de vuelta en Vigo, de donde proceden Cat People. Cada una de las bandas presentará su nuevo trabajo y jugarán un tiempo de prórroga conjunto, donde versiones y canciones conjuntas serán las protagonistas de tiempo de desempate.

El jueves 19 de abril actuará Malú, que hace unos días publicó el disco Íntima Guerra Fría, un disco en directo donde aparecen los éxitos más importantes del álbum Guerra Fría, y canciones fundamentales en la carrera de Malú, como Aprendiz, Diles o No voy a cambiar y siete canciones del álbum Guerra Fría en maqueta, tal como se concibieron antes de grabarlas definitivamente en estudio. Este disco es la continuación de una carrera que comenzó en 1998 cuando Malú apenas tenía 16 años y grabó su primer álbum: Aprendiz. Con tres canciones compuestas por Alejandro Sanz, el debut fue de los que hacen época al conseguir cuatro Discos de Platino y el premio Amigo al Artista Revelación. Las entradas cuestan 18 y 25 Euros.

La que agotará las entradas en apenas unos días con toda seguridad será Lorena McKenitt. Sus anteriores pasos por el Auditorio de Murcia así lo indican y es que es una autora de culto, con unos seguidores fieles, que la siguen allá por donde actúa.  La ecléctica y singular música celta de Loreena Mckennitt viene con su nueva gira “Huellas Celtas”. Musicalmente, el público podrá escuchar temas de muchos de los doce álbumes de la cantante, quien ha explorado las raíces de la música celta en un viaje que parte de Asia Menor y culmina en Irlanda. Actuará el domingo 22 de abril. Las entradas cuestan 35, 40 y 50 Euros.

Uno de los grandes que siempre deja con ganas de más es Raphael y por eso visitará de nuevo el Auditorio Regional Víctor Villegas. Lo hará el 24 de abril. Las entradas cuestan 40, 35 y 25 Euros.

LEIVA (cantante de Pereza) presentará en el Auditorio Victor Villegas de Murcia, lo que será su debut en solitario, titulado “Diciembre”, y que saldrá a la venta el próximo 14 de Febrero. Estará en el ciclo Otras Músicas el 28 de abril. Las entradas cuestan 20 Euros.

La programación la cerrará el grupo murciano que más discos vende, Maldita Nerea.que presentará en directo por primera vez en Murcia su nuevo álbum, ‘FÁCIL’, que vio la luz en mayo de 2011 alcanzando directamente el nº1 en la lista oficial de venta de discos y en iTunes, y ya es Disco de Oro. Los dos primeros singles del álbum, ‘Fácil’ y ‘¿No podíamos ser agua?’ se han convertido en un hit en todas las radios y televisiones musicales. Maldita Nerea ha desarrollado una coherente y honesta carrera desde su origen hace 10 años entre Murcia y Salamanca. Con su anterior álbum, ‘Es un secreto… no se lo digas a nadie’, Maldita Nerea se confirmó como el artista revelación del pop nacional: más de 70 semanas consecutivas en los primeros puestos de la lista oficial de ventas, Disco de Oro (y ya cerca del Platino), nº1 en radios con sus tres singles, tres Premios 40 Principales 2010, nº1 en iTunes y Spotify, líderes en redes sociales con cientos de miles de amigos en Facebook, Twitter y Tuenti, y millones de visitas en Youtube,…  

El grupo murciano está preparando un nuevo disco y gira por Argentina

La banda murciana MClan cierra su extensa gira Para no ver el final mañana viernes 30 de diciembre en el Auditorio Regional Víctor Villegas, dentro del ciclo Otras Músicas. El concierto será a las 21:30 horas y las entradas cuestan 20 y 23 Euros. El grupo de Carlos Tarque y Ricardo Ruipérez cierran así un año muy fructífero, en el que se han reencontrado con el público de sus dos primeros discos. Los murcianos acaban de anunciar que en primavera se encerrarán de nuevo en el estudio para grabar un nuevo disco y también que harán un paréntesis para salir de gira por Argentina.

La actuación de mañana supondrá la guinda a una exitosa gira que concluirá con cerca de 60 actuaciones, alguna de ellas emblemática, como la del Bilbao BBK Live, que les permitió compartir escenario con sus admirados The Black Crowes. Una cifra de actuaciones, en cualquier caso, sobresaliente, más si cabe teniendo en cuenta que la banda decidió retornar a salas y teatros con este tour y reducir a la mínima expresión los conciertos gratuitos al aire libre.

Gracias a la gira de ‘Para no ver el final’ M Clan ha conseguido reencontrarse con el público de sus dos primeros discos, mantener y reenganchar a los fans de sus álbumes superventas y se ha ganado el respeto y la admiración de nuevos seguidores y de la crítica con una gira y un disco en el que arriesgan abrazando el soul y el rythm and blues y subiendo encima de los escenarios a una super banda.

Carlos Tarque (voz) y Ricardo Ruipérez (guitarras) mantienen en buena forma a la veterana banda de rock´n´roll formada en 1993 al socaire del rock sureño y bajo el nombre de El Clan del Murciélago. En la línea de grupos como Black Crowes y deudor, en alguna medida, del southern rock fraguado en los años 70, M-Clan mezcla el blues, el soul y el hard, dentro de una coctelera de marcado estilo propio y que adquiere su efervescencia en el directo. En su último disco, “Para no ver el final”,  Carlos Tarque y Ricardo Ruipérez han derivado a la banda hacia un sonido más enérgico en algunos temas, con arreglos de metal, con guitarras profundas y letras menos poéticas pero más incisivas tanto en la alegría como en la desesperación.

Durante más de una hora, el artista ofreció a los asistentes uno de sus mejores conciertos hasta el momento. Deleitó al público con un fabuloso concierto a piano interpretando un variado repertorio, con música en inglés y español, con melodías llenas de ritmo, y emociones, dejando al público en cada acorde con el corazón a flor de piel. No hay duda de que el concierto fue todo un éxito no solo por el gran número de personas que se reunieron para oír a este virtuoso artista, sino por la afirmación de la dueña del Bar Azul, Esther, “No hay duda de que este chico volverá”, decía al público al dedicar unas palabras a la audiencia allí reunida.

Entre versiones de temas conocidos y temas propios dejó impactados a los asistentes con un tema instrumental propio, que dejó a todos rememorando algún momento del cual el tema pudiera haber sido la banda sonora perfecta, como Álvaro decía al público, “No tiene letra, ni título, pero seguro que sabréis a que se refiere”, y tenía razón.

Y no solo gusto esa noche, sino que ya tiene sus fans que lo siguen a todos los conciertos que da, y que no dudarán en asistir al que tendrá lugar en el Ópera Dance Club, el próximo miércoles 28 de Diciembre.

Rosana, una de las artistas canarias más consagradas, regresa a Cartagena con su nuevo trabajo discográfico: Buenos Días Mundo. Un álbum que reúne la madurez alcanzada a lo largo de los años con un sonido contundente y más cercano al rock,  con unas letras cargadas de realidad social. Lo presentará en concierto en la Sala A del Auditorio y Palacio de Congresos El Batel, dentro de la programación de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Cartagena. Será hoy jueves 15 de diciembre a las 21:30 horas. Las entradas cuestan 25 y 20 Euros.

El pasado mes de septiembre arrancó su nueva gira, denominada igual que el disco. Un guiño al planeta cargado de música hecha desde lo más profundo que recorrerá toda España y América durante lo que resta de 2011 y 2012. Rosana, quien repetirá la fórmula de su anterior gira, y que estará acompañada por tres músicos: David Pedragosa en la guitarra, Javier Quillez en el bajo y Joaquín Migallón en la batería.

Rosana nació en Lanzarote el 24 de octubre de 1963 y era la pequeña de una familia de ocho hermanos. A los 20 años se trasladó a Madrid donde estudió armonía y guitarra. En 1994, una canción compuesta por ella ganó el primer premio en el Festival de Benidorm; a partir de entonces sus composiciones empezaron a interesar a muchos artistas.
En 1996 decidió cantar ella misma sus propias composiciones y publicó su primer álbum, Lunas Rotas. Un disco que alcanzó una proyección inesperada, sin pretenderlo se convirtió en todo un fenómeno. La sencillez, naturalidad y emoción de su trabajo tocaron el corazón de cientos de miles de personas. Su entrada en la lista de superventas fue la entrada más fuerte de un artista nuevo en la historia de la música en España. Consiguió unas ventas de más de 1.600.000 de copias de nuestro país y más de 900.000 en el resto del mundo.
Lunas Rotas se publicó en más de 30 países, entre ellos: México, Brasil, EE.UU., Francia, Alemania, Japón y Corea. Incluso el director Quentin Tarantino utilizó dos de sus canciones en la película Tú asesina que nosotras limpiamos la sangre.
Luna Nueva fue su segundo trabajo, un disco más maduro y profundo pero que mantenía la frescura, naturalidad y sentimiento que la caracterizan. Muestra ese talento natural para componer e interpretar que le ha convertido en una de las artistas más importantes de la pasada década en nuestro país.
En septiembre de 2001 Rosana rompe tres años de silencio discográfico, durante los cuales ha seguido componiendo para otros cantantes, y sale a la venta Rosana. La elección del título tiene su explicación, que nos da la misma cantante: “… es el que mejor titulo que refleja mi personalidad”. El 1 de diciembre de 2003 Rosana publica un doble CD grabado en directo con 10 canciones nuevas, 12 de sus éxitos y dos videos.
Marca Registrada, el cuarto álbum de Rosana, es un disco diferente, ya que no sólo reúne éxitos y canciones queridas de sus tres anteriores discos; también estrena canciones inéditas. La grabación se realizó en dos lugares diferentes, antes dos públicos diferentes, con dos ambientes diferentes, con dos planteamientos musicales diferentes. El primero se grabó en agosto de 2003 en Manilva (Málaga); el otro, en septiembre del mismo en el Teatro Coliseum (Madrid).

Rosana sacó, en 2006, su quinto disco, Magia, un álbum que al mes de su salida fue disco de platino. En 2009, Rosana logró encender la magia y transportarnos a un mundo acogedor, cercano y personal. Un lugar de reencuentro con la sensibilidad de las historias cotidianas pasadas por el tamiz de una interprete capaz de susurrarnos al oído hasta tocarnos el alma o de levantarnos el estado de ánimo con temas llenos de una incontenible alegría de vivir. A las buenas y a las malas era un ramillete de excelentes temas que, engarzados por ritmos que contrastan entre sí y se complementan a partes iguales, constituyen un himno a la vida, algo que se ha convertido ya en el sello indeleble y propio de una artista que encuentra poesía en los detalles y nos invita a continuar volando aunque las fuerzas no nos acompañen a veces con la intensidad deseada.

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El formato íntimo de “Una Noche con Kiko Gaviño” supuso una oportunidad única e irrepetible de disfrutar de sus canciones e interactuar de forma directa con el artista, quien además recibió a todos aquellos asistentes que quisieron conocerlo en persona, firmando sus discos y dedicando un momento para estar con todos y cada uno de ellos.

La actuación, que comenzó sobre las 23:00, ofreció algo más de una hora en la que el artista, acompañado de un sensacional guitarrista, repasó su carrera y vida a través de su música, destacando emotivos momentos dedicados a su hijo y mujer, quienes han sido fuente de inspiración para algunos de sus temas del nuevo disco.

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Siguiendo con la segunda parte del Especial dedicado a la memoria de Freddie Mercury (este jueves 24 de Noviembre se cumplían 20 años de su triste desaparición), retomamos el hilo por donde lo dejamos la semana pasada.

  La década de los 80 se abría de manera inmejorable a nivel de éxitos para el grupo. El 23 de febrero llegaban por primera vez al nº1 en EEUU con su tema de clara influencia rockabilly “Crazy little thing called love”, tema escrito por Mercury en Munich. También llegarían a lo más alto de las listas en Canadá, Australia, Nueva Zelanda, México y Holanda. Todo un gran éxito que supieron rentabilizar al máximo.

Posteriormente publicarían varios singles, Save me y Play the game, con un esquema 100% Queen. Buenas melodías y voces, cambios potentes, y por primera vez empiezan a introducir el uso del sintetizador, tal vez como adaptándose a los nuevas tecnologías y por supuesto, a la nueva década que acababa de entrar. Dos canciones que, sin ser nada del otro mundo, tampoco desentonaban en lo que sería su nuevo L.P, The Game, publicado por fin el 30 de Junio de 1980. Un trabajo más acertado que su anterior producción de estudio, Jazz, pero que no dejaba de ser una sencilla colección de singles independientes, en vez de un todo más homogéneo. Esa sería la tónica hasta 1991.

Pero desde luego, como colección de singles, todavía tendrían mucho que aportar con cortes como Sail Away sweet sister (canción muy sencilla y delicada, interpretada y cantada por Brian May), Need your loving tonight (excelente Power pop compuesto por John Deacon), Dragon Attack o Rock it, que aunque no fueron estrictamente singles, sí que dotaban al disco de gran fuerza y melodía. Mención especial, una vez más, a otro número 1, Another one bites the dust, esta vez compuesta por John Deacon. Un tema compuesto bajo la gran influencia Funk del grupo Chic, que casualmente estaban grabando en unos estudios muy cercanos a donde trabajaba Queen. Casi 7 millones de copias vendidas de este single lo convirtieron en su canción más vendida. Llegaría a ser nº 1 de nuevo en EEUU, Canadá, Argentina, Guatemala…e incluso España!

En un día desgraciadamente marcado por la tragedia del asesinato de John Lennon, el 8 de diciembre de 1980, Queen publicaban su peor disco, sin ninguna duda. Su aportación a esa espantosa película llamada Flash Gordon fue acorde a lo que había en el LP. Apenas dos canciones destacables, Flash y The Hero, en un disco realmente para el olvido. Lo demás no dejan de ser momentos de la película musicados por los integrantes del grupo, ya que las únicas dos canciones que no son instrumentales son las anteriormente mencionadas, dos temas que no aportan nada reseñable a la discografía de los británicos.

Antes de lanzar su multimillonario Greatest Hits en noviembre de 1981 (uno de los discos más vendidos de la Historia en UK), publicarían un nuevo single que sería otro grandísimo éxito a nivel mundial. Y es que su única colaboración con David Bowie, Under Pressure, fue magistral, una de las canciones definitivas de principios de los 80. La canción la grabarían en unos estudios que el grupo británico había adquirido en Montreux, Suiza, tras grabar allí parte de su disco Jazz en 1978. Esta vez el tema llegó al número 1 en UK, Argentina y Holanda, convirtiéndose en un clásico instantáneo y en una fija de sus conciertos desde ese momento.

Aprovechando el gran tirón que habían tenido Under Pressure y un poco antes, Another one bites the dust, decidieron orientar su nuevo disco a un sonido más “bailable”, una especie de pastiche funky-dance-pop. Parece ser que el manager que en ese momento tenía Freddie Mercury fue también uno de los artífices para que el grupo se acercara a esos sonidos, cajas de ritmo incluidas, con un resultado bastante flojo. Estaba claro que no atravesaban artísticamente su mejor momento (Under Pressure sería la excepción), y el disco se resiente muchísimo con cortes como Body Language, Action this day, Life is Real (fallido homenaje a Lennon), Calling all girls o Cool Cat. A pesar de ese mal momento, algunos de esos temas conseguían defenderlos muy bien en directo. Y es que cortes como Dancer, Put out the fire, Staying Power o Back Chat, desprovistos de todo tipo de arreglos, sonaban más directos y poderosos en vivo. A pesar de todo, un LP muy flojo del que se conseguirían resarcir en parte con su siguiente trabajo, The Works.

Tras tomarse casi un año sabático al margen del grupo (1983), los distintos integrantes se centraron en sus proyectos paralelos. Brian May trabajó con Eddie Van Halen en su proyecto llamado Star Fleet Project, Roger Taylor empezaría a dar forma a su segundo disco en solitario y Freddie Mercury haría lo propio con su Mr. Bad Guy, futuro debut que se publicaría finalmente en 1985. Parece ser que fue por esta época, y durante su estancia en Munich, cuando su estilo de vida marcaría su fatal desenlace en 1991. Su adicción a la cocaina y sus desenfrenados hábitos sexuales terminarían por pasarle factura, como Brian May cantaría años después en Too much love will kill you, “…you´re the victim of your crime”

Concebido como una sencilla colección de nuevos singles, y con un claro tema de la eterna disputa del Hombre vs. La Máquina, The Works fue publicado el 27 de febrero de 1984, en medio de un momento en el que no parecían encontrar la salida adecuada. Sería, por cierto, la primera vez que se iban a grabar a unos estudios norteamericanos, concretamente en la ciudad de Los Angeles.

Ante la disyuntiva de terminar por abrirse definitivamente camino entre las nuevas tecnologías y medios (sucumbiendo estrepitosamente a toda esa nueva moda) o volver a concebir sus discos de manera más personal, decidieron tirar por el camino de en medio. Con lo cual, el disco funciona a medias. Temas muy recomendables como Hammer to Fall (gana muchísimo en directo, sobre todo la versión de Wembley 1986 donde Brian May se luce), Keep passing the open windows (originalmente concebida para formar parte de una Banda sonora que luego desestimaron), Man on the prowl (nuevo acercamiento de Mercury al sonido de los años 50 con un sonido de piano muy en la línea de Jerry Lee Lewis) y sobre todo, la archiconocida I want to break free (tema compuesto por John Deacon, acompañado con un vídeo memorable en el que parodiaban a una famosa telenovela de la época “Coronation Street” y con un solo de sintetizador, algo bastante inusual en el grupo).

Fue este tema uno de los más recordados del grupo, todo un gran éxito a nivel mundial, y todo un himno, símbolo de la lucha contra la opresión en muchos paises, en especial Sudáfrica. Debido a su vídeo, en el cual los 4 integrantes aparecían disfrazados de mujeres, fue prohibida su rotación en muchos medios norte americanos. Y es que es evidente el diferente sentido del humor que tienen los ingleses y los estadounidenses. Ese hecho haría que el grupo ni se planteara realizar gira por EEUU.

Otro gran éxito, éste compuesto por Roger Taylor, sería Radio Ga Ga, un tema con un sonido muy comercial, pero con una crítica bastante plana y evidente al mundo de la radio de esa época. Sólo funcionaba en directo, y más como acompañamiento coreográfico que otra cosa. Tear it up sería un intento por parte del guitarrista de volver a un sonido más crudo, sencillo y enérgico, pero desde luego que no funciona. Machines (tema de Taylor y May) o It´s a Hard life tampoco logran elevar demasiado el listón. En definitiva, un trabajo mejor que los 2 anteriores, pero aún así algo irregular. La sencilla y emotiva Is this the world we created? sirve para cerrar el disco.

El año siguiente el grupo se lo pasó promocionando el L.P en algunos de sus conciertos más recordados. En enero de 1985 participarían en la primera edición del Macro-Festival Rock in Rio, en Rio de Janeiro, Brasil. Allí actuarían delante de 250.000 personas en un festival que contaría también con la participación de grupos como AC/DC, Whitesnake, Rod Stewart, Iron Maiden, James Taylor y Ozzy Osbourne entre otros. En abril-mayo continuarían su gira por Australia, Nueva Zelanda y Japón.

Y en verano de ese año llegaría otra fecha marcada con letras de oro en la Historia del grupo. El 13 de julio se celebraron dos conciertos simultáneos (con 5 horas de margen debido a la lógica diferencia horaria), uno en el Estadio J.F.K de Philadelphia, y el otro en el estadio londinense de Wembley. La participación de Queen en ese otro Macro-festival del año, Live Aid fue reconocida por unanimidad como la mejor de todo el festival organizado por Bob Geldof para paliar el hambre en Etiopía. Los grupos apenas tocaban unos 20 minutos, debido al gran número de artistas invitados (U2, Dire Straits, Sting, David Bowie, The Who, David Gilmour, Brian Ferry…en Londres, y Joan Baez, Black Sabbath, Beach Boys, Simple Minds, Madonna, Tom Petty, Eric Clapton, Led Zeppelin…en Philadelphia). A las 7 de la tarde saldrían a escena, y conseguirían lo que ningún grupo logró, meterse a las 72.000 personas en el bolsillo en apenas 20 minutos de actuación. Todo eso, por supuesto, gracias al talento innato de uno de los mejores frontman de la Historia del Rock, Freddie Mercury. Wembley era su habitat natural, y allí se movía como si hubiera nacido realmente para ello.

El éxito de dicho concierto consiguió juntar de nuevo a los 4 miembros en el estudio y que compusieran el potente tema One Vision, para la película Águila de Acero. Sin ninguna duda, lo mejor de esa olvidable película era el tema compuesto al unísono por el grupo, y con una letra que parece inspirada en ese reciente festival Live Aid, aunque con una parte que también hace referencia al famoso discurso de Martin Luther King de 1963. One Vision fue publicado como single en noviembre de 1985 y luego la incluirían en su nuevo trabajo, A kind Of Magic, otra aportación del grupo a una nueva Banda Sonora. Esta vez la película sí que estaba a la altura de sus temas. El argumento de la película, la banda sonora, las impactantes escenas, un secundario de lujo (Sean Connery). Highlander (Los Inmortales) sería todo un éxito de crítica y público, y un clásico del cine de los 80.

Unas cuantas canciones de A Kind Of Magic formarían parte de esa Banda Sonora, con un tema central que era una auténtica maravilla, Who wants to live forever, donde la formación se hace acompañar por toda una Orquesta Filarmónica. Una canción con un in-crescendo memorable que 25 años después sigue poniendo los pelos de punta. Este tema es el que abre la cara B del L.P, que continúa de manera muy contundente con un tema 100% Brian May, Gimme the prize, seguramente una de sus canciones más duras, con un solo de guitarra magistral que evoca sonidos escoceses tan propios de la película. El broche final al disco es otra gran composición de Freddie Mercury, Princes of the Universe.

Pero es que además de esos temas más “ocultos”, antes estaba la cara A, la de los éxitos. Además de One vision, compartían tal honor A Kind of magic (uno de los mayores éxitos del batería Roger Taylor), Friends will be friends (típico corte compuesto con el piloto automático y que apuntaba a despedida momentánea)…y dos temas muy estimables, Pain is so close to pleasure (con un sonido que lograba aunar de manera mucho más acertada que en Hot Space estilos tan alejados del grupo como el disco-funk y el soul-pop de la Motown, con una gran línea de bajo de Deacon una vez más) y One year of love. Un disco con un enorme valor emotivo para quien esto escribe, ya que fue el disco con el que les descubrí y que abrió mis oidos al mundo del Rock.

Tras una colosal gira europea con varias memorables actuaciones en Londres (Wembley el 11 y 12 de julio de 1986) y tras pasar también por España con tres actuaciones (Barcelona, Madrid y Marbella el 1,3 y 5 de agosto), darían su último concierto en Knebworth Park ante casi 150.000 personas el 9 de agosto de 1986. Fue éste un concierto añadido a última hora debido a la velocidad a la que se vendieron sus entradas para los conciertos de Wembley. Ésa sería la última vez que los 4 integrantes originales del grupo se juntaran para dar un concierto. Y después se volverían a tomar un respiro.

Tras ese descanso, en 1987 Freddie Mercury vería cumplido uno de sus sueños, cantar con Montserrat Caballé y además, conseguir grabar un disco con el tema principal de los Juegos Olímpicos de Barcelona 92. El disco resultante sería publicado el 10 de octubre de 1988, y llevaría por título Barcelona, y como no podía ser de otra manera era un acercamiento a la Ópera más clásica, una de las grandes pasiones de Freddie Mercury. Desde ese momento M. Caballé se convirtió en una de las mejores amigas y en un inestimable apoyo para el cantante británico, en un momento muy delicado y difícil para él, ya que ya le habían diagnosticado que era portador del virus VIH en Semana Santa de 1987. Sin ninguna duda, éste fue el hecho que determinó que el grupo no realizara más giras, pero por otro lado inyectó en el cantante nuevas energías para seguir grabando todo el material posible. Algo realmente admirable, y que por otro lado, además de permitirle compartir sus momentos con la gente que más le había arropado siempre, le mantenía la cabeza ocupada.

Fruto de esa situación nació The Miracle, que se empezó a grabar en enero de 1988 y cuyo periodo de grabación concluiría un año después. Es éste un disco extraño, irregular, fruto de una situación que todavía no estaba totalmente asimilada. El disco funciona a ratos. Tiene muy buen sonido y algunos temas excelentes, pero el conjunto va un poco a la deriva. Por primera vez aparecían en todos los créditos los 4 integrantes de la banda, en un intento por mostrarse más unidos que nunca (la portada del disco es clara en ese sentido), quizás haciendo frente y solidarizándose con Freddie Mercury y su delicada situación.

Tres semanas antes de publicar este trabajo, lanzarían como single un tema llamado I want it all, otro hard-rock marca de la casa, con una clara composición de Brian May, a pesar de estar los cuatro miembros acreditados en las labores compositivas. Fue un gran éxito que devolvió al grupo a la actualidad y a los primeros puestos de las listas. Y The Miracle saldría por fin a la venta el 22 de mayo de 1989. El comienzo del disco es un tanto inusual, dos temas muy cortos enlazados (apenas 2 minutos cada uno) descolocaban al oyente, y aunque los temas no están mal (Party y Khashoggy´s Ship), quizás no era la mejor forma de abrir el disco del esperado regreso del grupo 3 años después. Quizás los puntos fuertes de este regreso sean Scandal (una dura crítica a los medios de comunicación sensacionalistas británicos que estaban literalmente masacrando al cantante), The Miracle (otra buena colaboración entre Deacon y Mercury), Breakthru (un gran single, que realmente une dos temas independientes, con una introducción a capella que explota de manera abrupta en una línea de bajo magistral con la ayuda de un gran estribillo), pero sobre todo ese tema compuesto básicamente por Mercury que cerraba el disco, Was it all Worth it , una de sus mejores composiciones, sin ningún tipo de duda. Y es que sigue estremeciendo la letra autobiográfica del corte, ese toque tan optimista que habla de la formación de una banda y su desarrollo, los buenos y los malos momentos, preguntándose si “realmente merecía la pena”.

WAS IT ALL WORTH IT (letra traducida gracias a Eze)

¿que me queda por hacer en esta vida?
¿logre todo lo que me había propuesto?
¿soy un hombre feliz, o estoy sobre arenas movedizas?
¿valio la pena? Si.

Escuchad mi historia, dejad que os cuente.
Nos compramos una bateria, yo tocaba mi propia trompeta
tocabamos en el circuito, nos creiamos perfectos.
¿valio la pena entregar mi corazon y mi alma
y quedarme despierto toda la noche?¿valió la pena?
Vivir respirando rock and roll, una vida abandonada de Dios,
¿valio la pena? ¿todos estos años?

Poníamos todo nuestro dinero sin contar los gastos
No importaba si ganabamos, si perdiamos
Sí, eramos viciosos, Sí, podiamos matar
Sí, teniamos hambre, sí teniamos brillo
Servimos a un proposito, como un maldito circo
Fuimos tan finos, os amamos con locura
¿valio la pena? ¿ahora que se acabó toda la fiesta?

Fuimos a Bali, vimos a Dios y a Dali,
tan misticos, surrealistas.
¿valio la pena entregar mi corazon y mi alma y quedarme despierto toda la noche?
¿valió la pena? Vivir respirando rock and roll, esta lucha sin final,
Por supuesto, mereció la pena!

Sabiendo el coste que finalmente tuvo, escuchar a Freddie Mercury terminar la canción con un poderoso grito “Por supuesto, mereció la pena!” sigue produciendo auténticos escalofríos. Sonaba a epitafio, ya que pensaban que ese iba a ser su último trabajo, pero las ganas y las fuerzas (cada vez menos) que aún le quedaban a Freddie Mercury hizo que, tan sólo un mes después de terminar la grabación de The Miracle, continuaran grabando nuevas canciones para otro disco más. Innuendo sí sería el último, y lo terminarían de grabar en Noviembre de 1990.

Cada vez le costaba más a Freddie Mercury poder valerse por sí mismo, incluso los agudos dolores parece ser que le dificultaban mantenerse en pie de manera continua y tenía que estar constantemente medicándose. Sabiendo que el final estaba cada vez más cerca, publicarían un single de adelanto que sería toda una joya, otra de las mejores composiciones de la banda británica, la canción que daría nombre a su nuevo disco, Innuendo, un corte muy en la línea de Led Zeppelin (la influencia de Kashmir es más que evidente) que alcanzó de nuevo el número 1 en UK. La canción cuenta con un interludio maravilloso apoyado en un solo de guitarra española (interpretado por el guitarrista de Yes) al que luego da una excelente réplica Brian May. Un tema que trata de la imposibilidad del ser humano de vivir en harmonía, un corte largo (más de 6 minutos y medio, sin estribillo, con distintas partes, al estilo Bohemian Rhapsody). Un tema superlativo.

A este single, le seguiría una composición extraña y oscura llamada I´m going slightly mad, con un vídeo no menos extraño, donde ya aparecía un Freddie Mercury profundamente maquillado para ocultar lo que cada vez era más evidente. Un nuevo giro de tuerca al repertorio del grupo (y van????) De nuevo todos los temas aparecían firmados por los cuatro componentes, aunque estaba claro que un tema como The Hitman era de Brian May, Ride the wild wind de Roger Taylor (de nuevo asoma su pasión por los coches y la velocidad, en este gran tema de ritmo trepidante y acelerado), All God´s people (uno de los mejores temas del disco, compuesto por Freddie Mercury, un corte de marcado carácter espiritual con influencias muy claras del Gospel) y la inolvidable The Show must go on, donde una vez más Freddie Mercury volvía a bordarlo, cantando como los ángeles, en una poderosa y emotiva canción, optimista y llena de vitalidad, y que, desgraciadamente, esta vez sí, pondría punto y final a su carrera al frente de una de las formaciones más grandes de la Historia del Rock. Está claro que algunos mueren para vivir eternamente en el recuerdo.

Como homenaje, los tres miembros restantes de la formación decidieron rendirle tributo de la mejor manera posible, en Wembley, el 20 de abril de 1992. Con la colaboración de un montón de amigos invitados para la ocasión (Metallica, George Michael, Elton John, David Bowie, Guns n´Roses, Roger Daltrey, Tony Iommy, Robert Plant, Annie Lennox, Bob Geldof…interpretarían algunos temas propios e irían desgranando también temas del repertorio de la banda británica homenajeada junto con los otros tres miembros del grupo. El concierto, además de ser retransmitido en directo a nivel mundial, sirvió para recaudar fondos que irían destinados a la lucha contra el SIDA.

Ya, a modo póstumo, se lanzó un disco en 1995 llamado Made in Heaven. El título lo dice todo, y realmente serían algunas de las últimas canciones grabadas por el cantante, con los retoques y acabados pertinentes del resto del grupo. Destacan, además de Too much love will kill you, tema del guitarrista cantado aquí por Mercury, otro tema sublime, toda una declaración de principios, que desgraciadamente llegaría cuatro años tarde, Let me Live.

Una figura inimitable, ambiciosa, imperfecta, grande, polémica, excesiva, a veces ridícula, pero siempre maravillosa e inigualable, una estrella que se apagó antes de tiempo, y que tan solo fue doblegada por la inesquiva muerte, dejando un hueco que todavía nadie ha llenado 20 años después.

Para concluir esta programación mensual, cerrará el mes de Noviembre, con motivo del aniversario de la sala Ópera Dance Club, el miércoles 30 del mismo, una sensacional y exclusiva actuación en acústico del artista nacional Kiko Gaviño, quien en su décimo aniversario en el panorama musical presenta su nuevo trabajo, “Ahora” con temas inéditos y en solitario. Con más de un millón de discos vendidos a sus espaldas durante su carrera profesional, y habiendo formado parte del conocido grupo “Los Caños” continuó su carrera junto a su hermana Shara obteniendo un importante éxito de ventas y presencia en listas y medios nacionales.
El formato íntimo de “Una Noche con Kiko Gaviño” supondrá una oportunidad única e irrepetible de disfrutar de sus canciones e interactuar casi de forma directa con el artísta.

El precio de la entrada será de 9 euros venta anticipada en Opera Dance Club, C/Floridablanca Los Dolores Cartagena y en Zafiro Tours Cartagena, C/Cañón 1, mientras que el mismo día de la actuación podrán retirarse en taquilla a un precio de 10 euros. Así también se oferta de manera especial (hasta 100 unidades) un pack que incluye la entrada anticipada más el CD de Kiko Gaviño, firmado por el artista por 15 euros.

La actuación comenzará a partir de las 22:00 horas.

De esta forma Opera Dance Club, bajo la producción de Event Famous, ocio y eventos, piensa dedicar los miércoles de su programación a la mejor música regional y nacional, ofreciendo un escenario donde la música fluye de forma directa, sin artificios y en estado puro.

25/11/11 Indice Vix + Perro + Los Rotundos
Hora: 20:30pm. Precio: Consumicion. Edades: 16+.

26/11/11 Luis Brea + ManPop & Rafa Skam Dj’s
Precio: Consumicion. Edades: 16+.

10/12/11 Raimundo Amador + Los Malos
Hora: 00:00am. Precio: 15/22€. Edades: 16+.

15/12/11 Gala Event Famous
Hora: 23:00pm. Precio: 6€. Edades: 16+.

16/12/11 Fraskito – Flamenco de los 80
Hora: 22:30pm. Precio: 10€. Edades: 16+.

23/12/11 Zenttric + artista invitado
Hora: 22:30pm. Precio: 6/10. Edades: 16+.

31/12/11 Radioactive Kids + Fiesta Nochevieja
Hora: 01:00. Precio 25€ con dos copas. Edades: 18+

Además…
17/02/12 Duo Kie + Gordo Master + Artista Invitado

“Ella fue la primera de las hermanas en huir…”. Así arranca lo nuevo de Amaral, los primeros compases de Hacia lo salvaje, el disco con el que Juan Aguirre y Eva Amaral rompen su silencio después de tres años. Y lo han hecho con el single de presentación que da nombre al álbum, Hacia lo salvaje, y que saldrá a la venta el próximo 27 de septiembre. Estarán en Murcia dos días seguidos, 25 y 26 de noviembre. Las entradas cuestan 30 y 25 euros.
En su concierto en Murcia, dentro de la gran gira española que están realizado, temas como ‘Sin ti no soy nada’, ‘Revolución’, ‘El universo sobre mí’, ‘Kamikaze’ o ‘Estrella de mar’, entre otras, se sumarán a los que componen su nuevo disco, ‘Hacia lo salvaje’, en una actuación en la que Juan y Eva estarán acompañados por Chris Taylor al bajo y Tony Toledo a la batería.

Su último disco salió a la venta el pasado septiembre, autoproducido y editado en el propio sello de la banda, Discos Antártida, lo que les ha dado más libertad creativa a la hora de componer y dar vida a unas letras que, como es habitual en Amaral, esconden sus propias historias. En ocasiones enigmáticas, otras veces muy humanas, pero siempre marcadas por el afán de evolucionar de una banda que lleva catorce años en el mundo de la música y que ha publicado seis trabajos discográficos de gran éxito.

Sin ir más lejos, ‘Hacia lo salvaje’ fue disco de oro y número 1 en las listas de venta españolas en la primera semana de su lanzamiento, lo que demuestra el poder de convocatoria y el respeto que se han ganado a lo largo de estos años, en los que su música ha ido evolucionando hasta llegar al punto en el que se encuentran en la actualidad.

Sus grandes éxitos

Un trabajo producido por Juan de Dios Martín y Amaral en los estudios O Gato Negro de Madrid que da continuidad a una carrera discográfica que comenzaron en 1998 con la publicación de su primer disco, ‘Amaral’, producido por Pancho Varona y en el que se incluían temas que la banda haría muy populares, como ‘Rosita’, ‘Un día más’, ‘Voy a acabar contigo’, ‘Tardes’, ‘No sé que hacer con mi vida’.

Su segundo álbum llegaría en el año 2000, con el título de ‘Una pequeña parte del mundo’, grabado en Londres con la producción de Cameron Jenkins y con canciones como ‘Nada de nada’ o ‘Cabecita loca’. Su tercer disco sería ‘Estrella de mar’, que se convertiría en el trabajo más vendido en nuestro país en 2002, con canciones como ‘Sin ti no soy nada’, ‘Moriría por vos’, ‘Toda la noche en la calle’ o ‘Te necesito’.
Un álbum con el que consiguieron un sinfín de reconocimientos y premios, tras el que publicaron ‘Pájaros en la cabeza’, con el que se embarcaron en una importante gira nacional, que también los llevó a ofrecer conciertos en México, Chile y Argentina. Un disco con temas como ‘El universo sobre mí’, ‘Días de verano’ o el contundente ‘Revolución’, que no falta nunca en sus presentaciones en directo.

Y para 2008 lanzaron su quinto trabajo de estudio, ‘Gato negro. Dragón rojo’, un disco doble con una veintena de canciones y temas como ‘Kamikaze’, ‘Tarde de domingo rara’, ‘Perdóname’ o ‘El Blues de la Generación Perdida’, una nueva entrega de grandes éxitos que tiene su continuidad en ‘Hacia lo salvaje’.

La actuación comenzará a partir de las 22:00 horas.

De esta forma Opera Dance Club, bajo la producción de Event Famous, ocio y eventos, piensa dedicar los miércoles de su programación a la mejor música regional y nacional, ofreciendo un escenario donde la música fluye de forma directa, sin artificios y en estado puro.

[Ver Diapositivas]

Para concluir esta programación mensual, cerrará el mes de Noviembre, con motivo del aniversario de la sala Ópera Dance Club, el miércoles 30 del mismo, una sensacional y exclusiva actuación en acústico del artista nacional Kiko Gaviño, quien en su décimo aniversario en el panorama musical presenta su nuevo trabajo, “Ahora” con temas inéditos y en solitario. Con más de un millón de discos vendidos a sus espaldas durante su carrera profesional, y habiendo formado parte del conocido grupo “Los Caños” continuó su carrera junto a su hermana Shara obteniendo un importante éxito de ventas y presencia en listas y medios nacionales.
El formato íntimo de “Una Noche con Kiko Gaviño” supondrá una oportunidad única e irrepetible de disfrutar de sus canciones e interactuar casi de forma directa con el artísta. El precio de la entrada será de 9 euros venta anticipada en Opera Dance Club, C/Floridablanca Los Dolores Cartagena y en Zafiro Tours Cartagena, C/Cañón 1, mientras que el mismo día de la actuación podrán retirarse en taquilla a un precio de 10 euros. Así también se oferta de manera especial (hasta 100 unidades) un pack que incluye la entrada anticipada más el CD de Kiko Gaviño, firmado por el artista por 15 euros.

La actuación comenzará a partir de las 22:00 horas.

De esta forma Opera Dance Club, bajo la producción de Event Famous, ocio y eventos, piensa dedicar los miércoles de su programación a la mejor música regional y nacional, ofreciendo un escenario donde la música fluye de forma directa, sin artificios y en estado puro.

El próximo sábado 26 de Noviembre de 2011, tendrá lugar, a partir de las 22:00 horas, el concierto del insigne artista, institución en el mundo del flamenco, por su reconocido prestigio y dilatada carrera, Vicente de Castro “Parrita”.

El evento musical, auspiciado por Abi Castillo, Jesús Sánchez y Antonio José Martínez, de Elche con el impulso y apoyo de Event Famous, ocio y eventos, congregará a los pies de las tablas del Mercado público de La Unión, a un aforo de 4000 personas, que podrán disfrutar de uno de los cantautores flamencos más reconocidos del mundo de la música.

Con un cuidado y amplio repertorio, fruto de una exitosa y larga carrera, Parrita, presentará los temas de su nuevo trabajo, “Trocitos de nuestra vida”, junto al resto de canciones de sus anteriores álbumes, que suman ya catorce.

De esta manera, el próximo sábado 26 de Noviembre, un lujo musical dispuesto para disfrute y entrega sin reservas viene a Murcia, tras 12 años de ausencia en estas tierras para brindar a todos sus seguidores estos 30 años de éxito encima de un escenario.

Así, para poder formar parte de esta experiencia única e irrepetible, ya se encuentran a la venta las entradas del evento, en los puntos de venta detallados a continuación, a un precio de 17 € por entrada anticipada y 20 € en taquilla.

Puntos de Venta:
Cafetería Bar Minero: C/Mayor, 112 La Unión
Pub Moe’s: La Unión
Discoteca Betty Pop: La Unión
Pub “El Almacén”: La Unión
Cafetería “El Gato”: C7Vereda de San Félix Cartagena
Discos Carrots Cartagena

Participa, ¡regalamos un Melodic T-Pack que consta de una camiseta de Melodic Rock más un CD de Rock Melódico!

http://www.facebook.com/melodicrock.pilarsanchez

La dinámica es muy sencilla: de todas esas personas que lo hayan escrito, cogeremos todos los nombres y con esta herramienta: http://classtools.net/education-games-php/fruit_machine sacaremos el ganador o ganadora.

Duración:
Entre el día 20 de noviembre y el día 10 de diciembre, ambos inclusive.

Ámbito de la promoción:
La presente promoción se realizará a nivel nacional (España).

Recuerda que no habrá locución de este sorteo. Es sólo para fans de facebook. Sin emails, sin respuestas… sólo postea en nuestro muro y mucha suerte!!!!!

http://www.facebook.com/melodicrock.pilarsanchez

Cuando están a punto de cumplirse 20 años de la muerte de Freddie Mercury (24 Noviembre), hemos decidido rendirle un pequeño homenaje en nuestra Gran Travesía con dos programas especiales dedicados al grupo Queen, una de las formaciones definitivas de la Historia del Rock.

En la primera parte, vamos a prestar especial atención a sus inicios en 1969 como músicos en bandas de escaso éxito como Ibex, Wreckage, Sour Milk Sea, (en el caso de Farrokh Bulsara, posteriormente conocido como Freddie Mercury), y Smile (trío integrado por Tim Staffell, Brian May y Roger Taylor).

Farrokh Bulsara (Freddie Mercury) con 10 años de edad.

Smile (de izquierda a derecha, Brian May, Tim Stafell y Roger Taylor)

Sour Milk Sea, grupo en el que estaba Freddie Mercury en 1969 (1º izquierda)

Tras disolverse Smile por la marcha de Staffell, en abril de 1970 se les uniría Frederick Bulsara, quien decidió cambiar el nombre de la banda por el de Queen, y el suyo propio por el de Freddie Mercury en honor al Dios Mercurio. No sería hasta principios del año siguiente, febrero de 1971 cuando se completase la formación clásica del cuarteto con la incorporación del bajista John Deacon, el más joven de todos, que en aquel entonces contaba con tan solo 19 años de edad.
Fue también en esa época cuando diseñaron el famoso logo de la banda, basándose en los 4 signos zodiacales de los 4 integrantes, 2 leones por el signo de Leo (Roger Taylor y John Deacon), un cangrejo por el de Brian May (Cáncer), y dos hadas por el signo de Mercury (Virgo). Todos ellos bajo el manto protector del Ave Fénix configuraban un diseño muy llamativo, muy semejante al Escudo oficial del Reino Unido, que no obstante no les reportó demasiada fortuna hasta 1975.

Como suele ser bastante habitual en los inicios, tuvieron muchos problemas para poder encontrar discográfica y un estudio de grabación acorde con sus posibilidades, así que tuvieron que conformarse con utilizar de madrugada los Estudios De Lane Lea, en pleno Soho londinense, lugar donde habían grabado gente como Jimi Hendrix, Beatles, Pink Floyd, Rolling Stones o Deep Purple, entre otros La condición era que sólo podían usar esos estudios cuando estaban libres, es decir en horario de madrugada.
Tras muchos retrasos y tener, por fin, sus primeras demos grabadas, les faltaba poder publicarlas. Llegarían a un acuerdo con Trident Studios el 1 de Noviembre de 1972, para hacer uso de los estudios Trident y re-grabar los temas. Pero la publicación y distribución de su primer disco era otra cosa. Todavía quedaban varios obstáculos que salvar. Al margen de que el nombre del grupo y su sonido no era lo suficientemente convencional en aquel momento, tuvieron que retrasar la publicación del LP debido a la crisis del petróleo que estalló en 1973. Las discográficas sólo confiaban en valores seguros, y un nuevo grupo con ese sonido, imagen y nombre, era excesivamente arriesgado en ese momento. Si a eso le añadimos que la portada del disco no era demasiado llamativa…

Así que fue finalmente Triden Studios quien se decidió a lanzarlo tras firmar un contrato de distribución con Elektra en EEUU y con E.M.I en el Reino Unido. El primer disco de la banda, llamado como el grupo, fue publicado finalmente el 13 de julio de 1973. Fue un estrepitoso fracaso de ventas, a pesar de tener un muy buen repertorio, con un sonido cercano al Hard Rock de la época y a sus admirados Led Zeppelin. Pero por supuesto le daban su especial toque, ya que prestaban gran atención a las melodías, a los juegos vocales y cambios de ritmo, como en Keep yourself alive (su primer single), Jesus, Doing all right (compuesta en la época Smile con Tim Stafell en los créditos) o Liar.

Este fracaso no desanimaría al grupo, que apenas dos meses después del lanzamiento de su primer vinilo ya tenía grabadas las piezas del segundo, Queen II, un trabajo mucho más ambicioso y barroco, con dos caras bien diferenciadas. La cara A (White Side) dominada por composiciones del guitarrista Brian May y la cara B (Black Side), con temas de Mercury. Temas con unos desarrollos instrumentales más elaborados y complejos como Father to son, March of the Black Queen, Ogre Battle, se dan la mano con composiciones más sencillas pero igual de efectivas (Funny How love is, Nevermore, Some Day one day). El piano se convierte en un elemento imprescindible desde ese momento, dejando de lado totalmente el uso de los sintetizadores, costumbre que mantendrían hasta la década de los 80.

Seguramente es este disco una de las joyas ocultas de su discografía (a pesar de que las ventas no acompañaran tampoco) y el preferido de gente como Axl Rose, Mat Bellamy de Muse o Billy Corgan de Smashing Pumpkins. Además, esta producción contiene el primer pequeño éxito de los británicos , Seven seas of Rhye (nº 10 en UK, un corte muy imaginativo donde nos hablan de un mundo de fantasía llamado Rhye) que ya aparecía en su anterior trabajo, pero de forma instrumental. Aquí también lo utilizan para cerrar magistralmente el 2º LP, publicado el 8 de marzo de 1974.
Tras la correpondiente gira de presentación del disco, (tendrían que cancelar numerosos conciertos en su primera gira por EEUU donde actuaban de teloneros de Mott The Hopple debido a una hepatitis de Brian May), se meterían de lleno en los estudios para dar forma a su tercer trabajo. Sheer Heart Attack lo grabarían en verano de ese año (1974) y lo publicarían el 1 de noviembre. Este es otro de los trabajos capitales de Queen, donde se empieza a ver clarísimamente otra de las señas de identidad de la formación, su eclecticismo y variedad de estilos. Seguramente habrán existido en toda la Historia de la Música muy pocos grupos tan variados. Esa diversidad de estilos tiene una explicación lógica, y es que cada miembro aportaba sus propios temas y ayudaban en la elaboración del resultado final. De hecho, Queen es el único grupo de la Historia del Rock cuyos 4 componentes han compuesto un nº 1.

John Deacon aporta a este disco Misfire, un tema pop muy sencillo, animado, directo y comercial que no desentona para nada en todo el album, un trabajo algo menos estructurado que el anterior Queen II, pero absolutamente desbordante de pasión y vitalidad en cortes como Now I´m here (rock clásico y contundente de Brian May), Killer Queen (su primer gran éxito compuesto por Freddie Mercury y que alcanzó el puesto nº 2 en UK), Stone Cold Crazy (considerado como el primer tema Trash, compuesta en sus orígenes por Mercury cuando estaba en el grupo Wreckage, y versionada posteriormente por Metallica), In the Lap of The Gods (rock de estadio en su mejor vertiente), Dear Friends (una hermosa canción de cuna cantada y compuesta por May), Tenement Fuster (extraña pero maravillosa aportación del batería Roger Taylor), Bring back that LeRoy Brown (un estilo de “charlestón” años 30 compuesto por el cantante, donde Brian May toca el banjo-ukelele), esa especie de marcha fúnebre del guitarrista llamada She makes me (Stormtrooper in stilettos) o esa auténtica joya llamada Brighton Rock, donde Brian May deslumbra con su peculiar técnica de tocar la guitarra (suele tocar su Red Special, diseñada por él mismo, utilizando una moneda de seis peniques para obtener ese particular sonido) y sus numerosos efectos “delay”

en el que parecen estar sonando distintas guitarras dobladas. Sin ninguna duda, el disco preferido de quien ésto escribe, y que estuvieron presentando por primera vez en España el 13 de Diciembre de 1974 en el Palacio Municipal de Deportes de Barcelona (aunque en la entrada ponga Lérida). Por 200 pesetas podías ver al grupo del momento 

Previamente, el 2 de diciembre, habían estado actuando en Munich junto con los Lynyrd Skynyrd, banda mítica del mejor Rock sureño que acababa de publicar su segundo LP

Tras concluir una extensa gira el 30 de abril de 1975 en Yokohama, Japón, decidieron tomarse un pequeño respiro, para volver a meterse en los estudios en verano de ese año. El gran esfuerzo, así como el magnífico resultado se pudo ver el 21 de Noviembre de 1975. A night at th Opera (su obra cumbre), vió la luz ese día.

Un gran trabajo que consigue aunar a la perfección las dos facetas que destacaban en sus dos anteriores LPs, enorme producción y un eclecticismo extremo. Aquí su abanico de posibilidades se abre por completo, y aparecen diversos estilos, una vez más, provocado por el hecho de que los 4 integrantes aportaran nuevas composiciones. Su ambición y posibilidades parecían infinitas. Al pop más sencillo y sofisticado de You´re my best friend (tema compuesto por el bajista John Deacon), al rock más directo y mordaz (Death on Two legs, dedicado por Mercury al anterior manager de la banda o Sweet Lady de Brian May), o a uno de mis temas preferidos del batería (I´m in love with my car y su pasión por los coches) se le añaden nuevas posibilidades sonoras. Y es que el country-folk (39´), el rock progresivo (The Prophet´s song), la música de cabaret (Lazing on a Sunday afternoon), la Ópera en su definición más estricta (Bohemian Rhapsody), la balada más preciosista (sonido de Harpa incluida con Love of my life ¿Nuevo homenaje a sus admirados Hermanos Marx?) y la música circense y el dixieland (Good Company) enriquecen sobremanera el catalogo del cuarteto británico. Si a eso le añadimos las numerosas posibilidades que se le abrían al poder utilizar distintos estudios de grabación de manera simultánea, gracias a la gran apuesta que hizo la discográfica por ellos, junto con el enorme talento e inspiración que poseían los integrantes de la banda, se entiende que el disco sea un trabajo tan rico en matices, y el LP más caro de la Historia del Rock en ese momento.
El perfecto ejemplo fue su single adelanto, Bohemian Rhapsody, tema compuesto por Mercury, publicado el 31 de octubre, y que el grupo tardó 4 semanas en terminar de grabar. Parece ser que conforme el cantante explicaba a los demás integrantes de la banda la estructura de la canción y su temática, éstos no daban crédito. No le fue nada fácil convencer al grupo ni a la discográfica de que ése iba a ser su single promocional, todo un “suicidio comercial”, una canción sin estribillo, con una estructura, duración y estilo que rompía los esquemas más convencionales. De hecho, no llegaron a convencer a la discográfica hasta que Freddie Mercury “filtró” una copia a un DJ conocido de Capital Radio. Sólo cuando el tema empezó a rotar con cierta asiduidad, la discográfica se convenció de que eso podía ser una “mina de oro”.

La jugada les salió perfecta, ya que la canción se convirtió en nº 1 durante 9 semanas consecutivas en UK, todo un record en la Historia del Rock y que le llevó con el tiempo a ser el tercer single británico más vendido de todos los tiempos. La dificultad de recrear el tema en directo, hizo que grabaran un video-clip que se utilizó para mandarlo de manera promocional a los distintos programas televisivos. No fue el primer video musical grabado por un grupo, pero el concepto de utilizarlo para promocionar su música sí que sería algo totalmente novedoso, ya que desde ese momento la música pasó de ser simplemente “oida” a empezar a ser “vista” en todos los hogares, sobre todo cuando a principios de los 80 empezaron a surgir cadenas televisivas (MTV) que proyectaban 24 horas ininterrumpidas de videos musicales. Todo un punto de inflexión en la Historia del Rock.

Tras la gira de este disco, que les llevó desde UK hasta Australia, Japón y EEUU, y tras su pertinente descanso, volverían a los estudios en verano de 1976 para grabar la “secuela” de A Night at the Opera. Este nuevo trabajo finalmente sería editado el 10 de diciembre de 1976 y llevaría por título A Day at the Races (otra emblemática película de los Hermanos Marx). Otro dardo en el centro de la diana, y otro número 1 que se abría con una “intro”, (que en realidad era el final de la última canción con el fin de dotar a ese trabajo de un un “efecto bucle”)  y que estallaba de manera espectacular con el inmortal riff de Tie Your mother down, compuesta por Brian May en Tenerife mientras trabajaba en su Doctorado en Astronomía. Una canción capaz de resucitar a un muerto y que no faltaría en casi ninguno de sus conciertos, y una de las mejores composiciones del guitarrista.

Este disco contendría también momentos memorables, y como siempre, en piezas totalmente independientes unas de otras, pero en una estructura del L.P perfectamente estudiada. Temas lentos como You Take my breath away, canciones pop muy comerciales (Good old fashioned lover boy y You and I, una maravilla del bajista John Deacon), Somebody to love (con aires Soul y cierto deje Gospel en el uso de las voces), el rock más sencillo, primitivo y potente de White Man (tema que habla de la aniquilación de los pueblos nativos americanos a manos de los inmigrantes europeos), Teo Torriate (con un estribillo cantado en japonés como muestra de agradecimiento a sus fans nipones) o el melancólico corte Long away, cantado por el guitarrista…

Pero sobre todo, esa joya llamada Millionaire Waltz, llamada a ser la sucesora de Bohemian Rhapsody. Aunque no la publicaron como single, es una auténtica delicia poder escuchar ese perfecto híbrido entre Rock “estilo Led Zeppelín”, con unos juegos de voces como sólo ellos sabían hacer, filtrado por el Vals más clásico. Todo ello en una sola canción, y evidentemente, con unos cambios de registro absolutamente espectaculares. Lo dicho, una virguería de composición.  

Volverían a la carretera para promocionar su disco con extensas giras por EEUU, Canadá y Europa, cerrándola con dos memorables conciertos el 6 y 7 de junio de 1977 en Earls Court, Londres.

 En esa imparable carrera disco-gira-disco que les había convertido en una de las bandas más grandes del momento, volverían a recluirse en los estudios para grabar sus nuevas canciones. Rompiendo con la trayectoria de títulos cinéfilos, publicarían News of the World el 28 de octubre de 1977.

 Es éste un disco bastante más sencillo en su composición, con temas como All dead, all dead, Sleeping on a sidewalk, My melancholy blues y dos de sus temas más universales, We will Rock you y We are the champions, con los que abrían el disco, y curiosamente, con los que cerrarían todos sus conciertos desde entonces. Estos dos temas (el primero de May y el segundo de Mercury), se han convertido en auténticos himnos de estadio. No existe ningún gran acontecimiento deportivo en el que no suenen. Y estaba claro, solo un grupo como ellos era capaz de componer uno de los temas más complejos de la Historia del Rock (Bohemian Rhapsody) y apenas año y medio después publicar la canción, probablemente, más sencilla (We will Rock you). Y lo más difícil, por supuesto consiguiendo que las dos sean auténticos éxitos mundiales. Quizás ése sea el principal logro del grupo británico.

 Pero en el disco había mucho más. Dos extrañas aportaciones, Fight from the inside (compuesta por Roger Taylor) y Get Down. Make Love (del cantante y posteriormente versionada en 1989 por Nine inch Nails), dos de sus temas más potentes (It´s late y Sheer heart attack, ésta última, con un ritmo frenético y compuesta de nuevo por el batería como crítica a la emergente escena punk), y otros dos temas magistrales del bajista John Deacon, quien ya se había destapado como otro gran compositor y como seria alternativa a los otros dos principales songmakers del grupo. Who needs you y sobre todo Spread your wings, una canción muy positiva que habla sobre la superación de los malos momentos, y que se encuentran entre lo mejor del tímido bajista. Otro disco muy notable que cerraba una racha gloriosa en la, hasta entonces, inmaculada trayectoria del cuarteto.

Luego llegaría su fallido Jazz. Un disco que, personalmente, me parece de los más flojos de su carrera, y que casualmente no contiene ningún elemento al que hace referencia el título del disco. Con una portada que ya era todo un presagio, Jazz fue publicado el 10 de noviembre de 1978, y aunque contiene muy buenos momentos como Don´t stop me now (impagable el momento-homenaje en la película Shaun of the Dead), If you can´t beat them (otra del bajista), Let me entertain you o Dead on time, el disco no consigue despegar. Y es que el lastre de temas como Bycicle race (probablemente su peor single), los dos infumables temas de Mr. Taylor (More of the Jazz y Fun it), un tema como Mustapha o dos fallidas baladas como Jealousy o  In only seven days es un gran escollo difícil de superar. De hecho fue su primer disco que no alcanzó el nº 1 desde Sheer Heart Attack.

Su nueva gira les traería otra vez a España. Casi 5 años desde su anterior visita, dieron tres conciertos en el Palacio de los Deportes de Barcelona el 19, 20 y 21 de febrero y uno en Madrid el 23 de febrero de 1979.

Seguramente el relativo poco éxito del disco hizo que se plantearan grabar y editar un disco doble en directo que tan de moda estaba en ese momento. El resultado fue Live Killers, un tremendo archivo histórico de lo que eran capaces de hacer en concierto. A pesar de no ser todas las canciones de un único show, sino de distintos conciertos de su gira europea de invierno de 1979, el resultado no se resiente lo más mínimo.

Con ese disco doble, y con la publicación de un nuevo single, esta vez acercándose al sonido estilo 50´s con Crazy little thing called love, ponían punto y final a su década más creativa e inspirada, la de los 70.